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Cet essai interroge la façon dont se sont articulées historiquement les relations entre la musique et la révolution industrielle, de façon générale, et entre les musiciens et les machines, de façon particulière. Du métronome au gramophone, en passant par les orchestres mécaniques ou par les premières diffusions téléphoniques de la musique, ce livre montre comment au xixe siècle les techniques issues de la révolution industrielle affectent tout à la fois les interprètes (incités à rationaliser leur technique tout en cultivant l'expression), les auditeurs (invités à être galvanisés par des expériences « électriques ») et les compositeurs (qui, de Rossini à Wagner, en passant par Chopin ou Berlioz, ne cessent d'admirer et de redouter tout à la fois les mutations esthétiques nées du progrès technique). Emmanuel Reibel illustre ainsi comment les mutations technologiques du xixe siècle font évoluer la réflexion sur ce qu'est la musique, sa composition et son interprétation, tout en reconfigurant le champ des valeurs associées à l'art.
Ce faisant, il propose de penser le romantisme comme le négatif (au sens photographique du terme) de la révolution industrielle. Emmanuel Reibel est professeur de musicologie à l'École normale supérieure de Lyon. Il enseigne l'esthétique au Conservatoire national supérieur de Musique et de Danse de Paris.[-]

Auteur de deux piliers du répertoire lyrique (Manon, Werther), Jules Massenet (1842-1912) reste un compositeur méconnu. S'il occupe une place éminente en son temps, ses oeuvres, souvent adulées des chanteurs et des amateurs d'opéra, ont suscité de vastes polémiques, qui perdurent. Le présent ouvrage apporte un éclairage inédit sur sa vie et sa carrière à la lumière de nombreuses sources inédites.
Alors que Wagner s'impose comme un modèle puissant, Massenet s'affranchit de cette figure tutélaire en se forgeant un style appelé à faire école jusqu'à Debussy, Puccini et Poulenc. Il fréquente les artistes majeurs de son époque, comme Maupassant ou Proust, qui façonnent certains de leurs personnages en s'inspirant de son caractère qui détonne dans un univers profondément masculin.
À la fois mondain et solitaire, fragile et superstitieux, Massenet se réfugie dans son travail qui atteste d'une force de caractère peu commune et d'un artiste en quête de sa propre vérité.
Figure emblématique d'une jeune République qui s'érige sur les décombres du Second Empire, il produit une oeuvre kaléidoscopique, miroir d'une société en pleine mutation qui fait étrangement écho à la nôtre. Après la défaite de 1870, son oeuvre exalte les valeurs et racines culturelles de la France, mais interroge aussi la place des femmes et de la religion dans la société.

Jean-Christophe Branger, agrégé de musique et docteur de la Sorbonne, est professeur de musicologie à l'université Lumière Lyon 2. Ses recherches portent sur la musique française sous la IIIe République et Jules Massenet en particulier. Après avoir soutenu une thèse consacrée à Manon (Serpenoise, 1999), il a publié des articles étudiant la carrière et la musique de Massenet, une édition critique de ses écrits (Mes souvenirs et autres écrits, Vrin, 2017) et plusieurs de ses oeuvres méconnues ou inédites (Symétrie).[-]

Salué par Mozart, admiré par Beethoven, encensé par Berlioz et Wagner, Gluck s'inscrit avec Orphée, Alceste et ses 2 dies d'Iphigénie comme un des plus grands musiciens dramatiques de l'histoire. Lettres, journeaux, mémoires, pamphlets jettent vie esprit et passion tout au long d'un récit autour duquel chaque oeuvre importante fait l'objet d'une analyse musicale et littéraire- L'ouvrage est complété par une série d'annexes regroupant le catalogue des oeuvres, une biographie, des renseignements extrêmement précieux sur la diffusion et les reprises des opéras de Gluck à travers le monde depuis leur création ainsi qu'une confrontation des opinions émises sur le compositeur...[-]

Sollicitant les yeux, les oreilles et les émotions, manipulant les idées comme les imaginaires, l'opéra reflète et concentre son époque. Il est tout autant un phénomène culturel d'une ampleur considérable qu'un objet artistique protéiforme, le résultat d'une industrie que le fruit d'une esthétique. Dans l'histoire de ce genre totalisant, le répertoire français occupe une place à part, fortement déterminée par son lien avec l'État, depuis son institutionnalisation par Louis XIV, qui consacra la tragédie en musique, jusqu'à l'inauguration en 1989 de l'Opéra Bastille, voulu par François Mitterrand, à l'occasion des festivités du bicentenaire de la Révolution. Né au XVIIe siècle, tout à la fois en s'inspirant et en se démarquant de l'opéra italien, l'opéra français s'inscrit dans un contexte social et artistique spécifique, dont la culture de la danse est l'une des données fondamentales. La période qui s'ouvre avec le Roi-Soleil trouve son terme dans l'écroulement de l'Ancien Régime durant la Révolution. Entre-temps, le genre a infiltré toute la vie musicale, a proliféré jusque dans les colonies. Il s'est ramifié sous diverses formes, dont l'opéra-comique est l'une des plus originales. Derrière quelques noms restés célèbres, comme Lully et Rameau, Grétry et Gluck, c'est une multitude d'auteurs qu'il nous faut redécouvrir. Ce continent lyrique restait à explorer dans la diversité de ses aspects. Une histoire s'imposait donc pour en faire le récit et en décrire les mécanismes, pour en reconstituer les valeurs et les tendances, pour suivre ses acteurs et découvrir ses productions.[-]

Pour être le compositeur romantique par excellence, le musicien peut-être le plus célèbre depuis Mozart, Chopin paradoxalement n'a guère suscité d'ouvrages d'envergure. Plusieurs raisons sont susceptibles d'être à l'origine de cette situation : la simplicité apparente de sa musique, son goût prononcé pour la petite forme, son attachement quasi exclusif au piano, la perfection intimidante de ses grands cycles pianistiques (Polonaises, Mazurkas, Etudes, Préludes, Nocturnes, Valses, Ballades, Scherzos), le mythe dont il a très vite fait l'objet, la part de légende qui s'est attachée à son existence.
On connaît l'image souvent dénaturée du musicien élégant, séducteur, les épisodes de son amour déçu pour Maria Wodzinska, les péripéties de sa liaison orageuse et sa rupture avec George Sand, ses succès dans les salons parisiens auprès des belles écouteuses, sa lutte contre la tuberculose qui finira par emporter à l'âge de trente-neuf ans.
S'appuyant sur les recherches les plus récentes, le présent ouvrage va bien évidemment au-delà de ces stéréotypes et éclaire d'un nouveau jour nombre d'aspects aussi bien de sa vie que de son œuvre, toutes deux ici étroitement mêlées.
C'est ainsi que cette monographie met particulièrement en lumière l'intéressante figure du père, Lorrain venu s'établir en Pologne à l'âge de la majorité, la jeunesse polonaise du compositeur, ses relations en France avec ses compatriotes immigrés ainsi que l'accueil réservé à ses diverses œuvres par la critique officielle.
Ce livre est aussi un véritable guide à travers toute l'œuvre du compositeur, présentant pour la première fois l'intégralité de ses compositions, toutes ici passées en revue, y compris les plus minimes. Les plus importantes, et particulièrement tous les grands cycles, sont analysées avec une extrême minutie, qu'il s'agisse de leur forme et de leur langage sonore, de leur aspect novateur ou de leur conception esthétique, de leur pensée ou de leur expressivité. [-]

L'ensemble des neuf symphonies, sept concertos et onze ouvertures de Beethoven, sans oublier la Fantaisie pour piano, choeurs et orchestre, les deux romances pour violon et orchestre et la pittoresque Bataille de Vittoria, prend place parmi les plus imposants monuments du répertoire symphonique. Pour être également l'un des plus célèbres et des plus fréquentés, cet impressionnant corpus musical n'en recèle pas moins des richesses inépuisables que de simples écoutes même répétées ne sauraient révéler.
Tout l'intérêt de ce précieux guide, grâce à un astucieux système de représentations graphiques extrêmement parlantes, est de donner enfin la possibilité à n'importe quel mélomane, ayant ou non étudié la musique, d'accéder à la découverte en profondeur de toutes les beautés formelles et sonores de ces chefs-d'oeuvre.
La méthode utilisée repose sur une représentation de nature cartographique des divers épisodes musicaux selon une échelle de temps, représentation renvoyant par des jeux de couleur aux citations des principaux thèmes. Les diverses compositions beethovéniennes sont ici appréhendées à la fois globalement dans leur totalité et, sur un plan analytique, dans tous les instants de leur déroulement.
Chaque mouvement se trouve ainsi abordé sur une double page: celle de droite comportant un texte explicatif, celle de gauche illustrée graphiquement et donnant les principaux repères: indications de tempo, de dynamique, de temps d'exécution (à partir d'une version discographique de référence) ainsi que les numéros de mesure et les tonalités; il devient ainsi facile d'en comprendre la structure (exposition, développement, réexposition), d'en saisir les thèmes ainsi que leurs variantes, de suivre leur circulation tout comme leur parcours tonal: toutes choses réservées jusque-là aux seuls lecteurs expérimentés de partitions.
L'écoute _ fortifiée par ce que l'oeil lui fait ici découvrir _ s'en trouve littéralement transformée et la compréhension tout comme le plaisir accrus.
Ce guide d'une conception totalement nouvelle, véritable substitut de la partition comme du CD Rom, offre par ailleurs de nombreux tableaux synthétiques, des repères biographiques ainsi qu'une introduction extrêmement utile, d'une grande clarté d'exposition, au langage beethovénien et au style classique que Beethoven porta à son sommet.[-]

On peut entendre la couleur d'un sourire : l'oreille voit, pense dans la peinture. On peut voir un grincement d'angoisse : l'œil entend, pense dans la musique. Un son peut suggérer une couleur, pendant qu'une couleur peut suggérer un son. Le temps musical est visible, l'espace pictural audible : c'est en ce qui les désaccorde que musique et peinture s'interpénètrent.
Fusions et correspondances, analogies ou disparités, sont étroites entre ces deux activités, la musique et la peinture, qui du fond des âges furent intimement liées à la vie des hommes.
En inversant les principes traditionnels – musique, art du temps ; peinture, art de l'espace – Jean-Noël von der Weid incite à un doute fécond. Il nous fait découvrir que les sens pensent. Pour nous, regardeur et auditeur transformés, voir et écouter ainsi cela signifie penser autrement, percevoir autrement : nos sens buissonniers, œil, oreille, éclatés et indivis, forment moins une association qu'une intrication. En commentant de nombreuses œuvres picturales et musicales (de Véronèse à Klee en passant par Corot et Picasso ; de Monteverdi àWagner, Schoenberg ou Rihm), Jean-Noël von der Weid met au jour ces correspondances.[-]