Documents La rue musicale 16 résultats

Un manifeste afrofuturiste enfin traduit en français. Objet mythologique publié en 1998 par un jeune critique, Plus brillant que le soleil fait le pari que, si la presse musicale n'a rien à dire sur l'afrofuturisme, c'est qu'elle ne sait pas en parler. Pour décrire cette musique visionnaire, guidée par les nouvelles machines sonores, Kodwo Eshun s'invente ingénieur de concepts et embrasse le synthétique jusque dans les mots, à l'image des expérimentateurs dont il explore les mythes et les sons : Miles Davis, Alice Coltrane, Sun Ra, Dr. Octagon, Funkadelic, Drexciya... Armé de néologismes qui s'arriment à la science-fiction, il revisite les premiers essais de fission jazz et les hyperrythmes de la jungle, ouvrant une dimension parallèle où un hip-hop cosmophonique croise une techno extra-atmosphérique, un acid despotique. Eshun nous entraîne dans des aventures afrofuturistes en fiction sonore, rejouant l'inconnu et le dynamisme plastique d'une identité noire en constante construction, qui n'hérite pas seulement d'une histoire, mais la façonne aux confins de la musique.[-]

Parmi les manuscrits restés inachevés à la mort de Theodor W. Adorno, il y a ce traité consacré à l'interprétation de la musique, à la fois monumental dans sa visée et fragmentaire dans sa réalisation.
En dialogue avec le violoniste Rudolf Kolisch, il travaille dès les années 1920 à ce qu'il appelle une « théorie de la reproduction musicale », qu'il ne cessera d'étoffer. Comment redonner vie aux œuvres figées dans des notes de papier ? Que font les interprètes lorsqu'ils insufflent l'élément gestuel qui échappe à la notation ? Et que devient l'œuvre, continuellement transformée ? À l'écoute des difficultés que rencontre le musicien face aux silences de la partition, Adorno ébauche des réflexions sur ce que signifie phraser, ponctuer, faire parler la musique. [-]

Des chants et tambours ancestraux aux danses populaires urbaines, en passant par les ∏uvres de musique savante, la richesse musicale du continent africain n'est plus à démontrer. Or ce que nous appelons « musique africaine » se révèle être un phénomène syncrétique, où passé et présent, tradition et innovation entretiennent un dialogue fertile.
En l'explorant au prisme de cette singularité, Kofi Agawu dévoile ses structures participatives et communautaires, qui nourrissent l'imagination créative de ses compositeurs et interprètes. Déployée dans les rythmes, les mélodies, l'organisation formelle des sons, elle se décline jusque dans le corps de ses danseurs.
Parce que la musique africaine a toujours protégé son essence sans jamais se refuser à l'accommodation, cet ouvrage nous engage à penser son unité, comme ses ramifications hors du continent : elles sont autant de réponses musicales aux évolutions sociales, identitaires et culturelles du monde contemporain.[-]

Dans ses oeuvres musicales et dans ses écrits, Monteverdi rassemble toutes les acceptions, antiques et modernes, de la « rhétorique musicale ». En professant
son désir de créer une musique « oratoire », où « le discours est maître de l'harmonie », il ouvre la voie à une nouvelle conception de l'art de la composition, dont l'influence s'étend jusqu'à nos jours.

Avec cet essai unique en son genre, Denis Morrier conduit le lecteur au croisement de la Renaissance et de l'ère baroque, au moment où le langage musical de Monteverdi posa les bases de la musique moderne occidentale en associant le son au sens.[-]

A la manière d'une enquête policière, Claude Abromont multiplie et combine les angles d'approche autour de l'oeuvre musicale sans doute la plus singulière du romantisme : la Symphonie fantastique d'Hector Berlioz. Quel fil conducteur dissimule-t-elle ? Qui est cette bien-aimée que le compositeur représente à travers le thème musical qu'il nomme l'" idée fixe " ? Quel était au fond le secret de Berlioz ? Cette monographie y répond sous tous les aspects de l'oeuvre (contexte biographique, références littéraires, originalités stylistiques, trouvailles orchestrales, etc.), ainsi qu'en abordant des rivages inexplorés, tels la simulation de l'absorption du son par des tapisseries ou la tentative improbable d'une forme sonate féministe. Enfin, avec cet ouvrage de référence sur le projet berliozien, Claude Abromont propose une vision renouvelée de la " musique à programme ", qui, en l'absence de paroles, communique un sens à l'auditeur par les seuls moyens expressifs de la musique instrumentale. [-]

Le personnage fictionnel du Dr Strabismus entreprend la rédaction d'un nouveau traité général sur la musique. Mais la tendance de la musique à se " déconstruire " d'elle-même, alliée aux mouvements retors de la postmodernité, voue cette entreprise à l'échec. Telle est la parabole qui encadre Un chant muet, une nouvelle approche de la théorie musicale et une interprétation inédite de l'histoire moderne de la musique occidentale.
Ouvrage majeur du musicologue britannique Raymond Monelle, Un chant muet propose une approche inédite, mêlant les théories de la déconstruction (Jacques Derrida) et de la signification (C. S. Peirce, Roland Barthes et Umberto Eco) à l'analyse musicale du répertoire occidental, de Jean Sébastien Bach à Charles Ives. Représentatif de la New Musicology anglo-américaine - dans le droit fil des cultural studies -, l'auteur aborde le fait musical sous un angle résolument " culturel " et dévoile ainsi les tensions sociales et existentielles qui imprègnent la musique classique et romantique. [-]

Icône d'une culture sonore globalisée, la musique de Steve Reich est dans toutes les oreilles. Plus que des oeuvres musicales, le musicien compose des expériences sonores : par répétition, tuilage et déphasage, un simple motif immerge l'auditeur dans un « processus » d'écoute. Steve Reich interroge la perception du temps et du rythme sous toutes ses formes, et l'économie de moyens dissimule toujours une prouesse musicale : composer 1h30 de musique à partir d'un unique motif de huit notes (Drumming) ou créer une pièce avec quatre mains pour seuls instruments (Clapping Music).


L'ensemble de ses écrits réunis dans ce volume dévoilent aussi bien son approche conceptuelle, cultivée au sein de l'avant-garde new-yorkaise des années 1960, qu'une volonté incessante de nouer un dialogue entre les formes populaires contemporaines (jazz, rock, électronique, vidéo) et certaines traditions musicales anciennes ou extra-occidentales (musique médiévale, cantillation hébraïque, percussions africaines, musique balinaise, etc.). En retraçant la genèse de ses compositions, Steve Reich laisse également transparaître une ligne « politique » centrale dans son oeuvre : des échos de la guerre froide (It's Gonna Rain) à la ségrégation raciale américaine (Come Out), des résonances de la Shoah (Different Trains) aux retentissements du 11-Septembre (Daniel Variations et WTC 9/11).[-]

Philip Glass est doté d'une oreille extraordinairement réceptive aux nuances des mondes qu'il a traversés, comme aux évolutions musicales de son temps. Dans ce récit de vie à la première personne, les lieux marquent les souvenirs et font émerger des sonorités : le magasin de disques de son père à Baltimore, les clubs de be-bop à Chicago, la scène expérimentale à New York, les exercices d'« écoute » de Nadia Boulanger à Paris, l'intensité rythmique des concerts de Ravi Shankar… Sa formation musicale, la fréquentation d'artistes majeurs, mais aussi ses voyages, qui sont autant d'incursions dans les musiques indienne, himalayenne, africaine, sud-américaine, lui permettent d'inventer les outils nécessaires à la composition et font de lui un praticien hors du commun.
À quatre-vingts ans, auteur d'un répertoire musical réunissant symphonies, opéras, compositions pour la danse, le théâtre et la cinéma, Philip Glass est considéré comme l'un des compositeurs contemporains les plus influents.[-]