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Philippe Gordien présente et analyse une trentaine d'œuvres du compositeur français Émile Goué (1904-1946) : d'un grand intérêt musicologique, ces textes sont également le témoignage d'un musicien proche du compositeur au moment de l'acte créateur. Au fil des pages, les caractéristiques de cette musique originale se révèlent : tonalité élargie allant jusqu'à la polytonalité, variation décorative, monothématisme, simultanéité chromatique, superposition de rythmes binaire/ternaire… Basée sur une technique solide, lourde de sens musical et dramatique, la musique de Goué est avant tout l'expression d'une vie intérieure intense. Ces analyses sont complétées par plus de 300 notes de bas de page approfondissant les propositions de Gordien ou renvoyant aux écrits du compositeur, faisant de cet ouvrage une référence pour pénétrer et comprendre l'univers gouéen.[-]

Techniques d'orchestration, volume 1, s'adresse à tous les musiciens qui souhaitent étudier l'écriture orchestrale et qui s'intéressent aux techniques permettant de transcrire pour orchestre une partition composée initialement pour piano. Une première partie, introductive, présente les aspects essentiels de ce travail, en insistant sur l'importance des doublures, des équilibres, des contrastes, et souligne la nécessité d'une conscience harmonique attentive à chaque instant à la qualité de la réalisation. Selon une progression chronologique, abordant ainsi une diversité de styles, sont proposés dans cet ouvrage des exemples d'orchestration d'œuvres de Mozart, Haydn, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Borodine, Moussorgski, Debussy et Lili Boulanger. [-]

Ce deuxième volume de Techniques d'orchestration s'inscrit dans la continuité du précédent, tout en proposant une approche différente, thématique et non chronologique. L'auteur introduit la notion de mixture pour mieux distinguer les différents types de doublures et leurs qualités respectives, et s'intéresse au choix des instruments et à la mise en valeur des plans sonores. Il consacre un chapitre aux difficultés spécifiques auxquelles est confronté l'orchestrateur face à une œuvre très pianistique ; le suivant, aux marges de liberté qui lui sont offertes vis à vis de la partition originale. Les pages conclusives approfondissent l'approche des timbres en termes de luminosité, de chaleur et de couleur. Les nombreux exemples, où dominent les œuvres de Debussy et de Ravel, offrent une palette stylistique ouverte sur le XXe et le XXIe siècles (Dukas, Koechlin, Scriabine, Bartók, Berg, Stravinsky, Prokofiev, Takemitsu…), en présentant parfois plusieurs réalisations d'un même fragment afin de diversifier les perspectives.[-]

Cet ouvrage propose une approche de l'écriture orchestrale de treize compositeurs : Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Wagner, Bruckner, Mahler, Rimsky-Korsakov, Debussy, Ravel et Stravinsky. Les extraits d'œuvres sont abordés sous l'angle du rapport entre la réduction pour clavier d'une page d'orchestre (ou sa version pour piano préalable) et sa version orchestrale. Celle-ci est décomposée en différentes étapes : instrumentation des parties principales, doublures, fonds, effets particuliers.
Indispensable à tout étudiant en orchestration et en composition, ce manuel s'adresse aussi aux étudiants en analyse musicale et à tous les musiciens et mélomanes qui sont intéressés par l'étude approfondie des œuvres symphoniques.[-]

Cet ouvrage très clairement présenté et richement illustré d'exemples commentés se fonde tout d'abord sur une approche générale de la partition, en distinguant les différents types d'écriture, ainsi que la nature et les caractéristiques des idées musicales. Vient ensuite l'étude du cadre général de l'œuvre, des plans tonal et formel.
Puis, l'auteur met en évidence les principaux éléments utilisés dans ce langage (harmonie, phrasé, rythme, relation musique/texte), pour conclure sur les aspects stylistiques de la partition. On y appréciera tout particulièrement les pages qu'il consacre au dialogue, à la réécriture, aux différentes échelles ou à la tonalité élargie, tout comme ses remarques concernant l'élan initial, la souplesse rythmique ou les silences expressifs.
De l'approche globale à l'analyse détaillée, Anthony GIRARD a conçu ici un manuel d'une grande clarté, utile à l'apprenti musicien comme à l'étudiant en musicologie.[-]

Elliott Carter est l'un des compositeurs des plus remarquables du 20eme siècle aux États-Unis. Le modernisme de son œuvre se révèle non seulement par les structures rythmiques et temporelles très complexes mais aussi par des structures harmoniques et mélodiques très singulières. En 1945, il définit les fondements de son écriture musicale dans les domaines du rythme et du temps, et sa carrière prend un nouveau départ. Le quatuor à cordes n. 1 [1951] en marquera un sommet, mais carter ne cessera jamais de surprendre. L'objet de cette thèse est de déterminer comment les compositeurs européens ont influence Elliott Carter rythmiquement et temporellement. Pour répondre à cette question nous avons étudié l'évolution de Carter dans le domaine de la composition musicale au moyen des plus marquantes de ses œuvres en les comparant à celles de plusieurs compositeurs européens. Nous avons choisi les œuvres en fonction de leurs caractéristiques, leurs particularités et leurs procédés de composition dans les domaines du rythme et du temps. Nos analyses sont orientées vers ces deux axes essentiels de notre thèse. [-]